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Grand Prix BIC

Grand Prix BIC est une œuvre interactive se présentant sous la forme d’une table de jeu accueillant de 1 à 4 participants. Elle propose une expérience collective et accessible, où la compétition devient un prétexte pour découvrir l’univers et l’histoire de la marque BIC.

L’esthétique du jeu puise directement dans l’ADN graphique de BIC. Les circuits et les décors sont composés à partir de différents stylos, tandis que les voitures sont dessinées comme à la main. Les véhicules arborent les couleurs des célèbres stylos BIC 4 Couleurs, qui définissent l’identité visuelle de chaque joueur.

Avant chaque course, les participants sont confrontés à une question aléatoire de type Vrai / Faux, portant sur le monde de BIC : histoire de la marque, design des objets, usages, innovations ou anecdotes insolites.

Une réponse correcte permet au joueur d’obtenir un bonus de vitesse, influençant directement la course à venir. Une information complémentaire vient ensuite éclairer la bonne réponse, avant que la course ne démarre. Les joueurs doivent alors marteler deux boutons pour faire avancer leur voiture le plus rapidement possible — une référence assumée aux anciens jeux de course rétro où il fallait appuyer frénétiquement pour gagner en vitesse.

Intégration & Vision

Grand Prix BIC s’intègre dans des espaces d’exposition, musées, événements de marque ou lieux culturels. La table multijoueur encourage l’échange : côte à côte, les visiteurs partagent une expérience commune où la compétition stimule l’engagement et la mémorisation.

Le dispositif est particulièrement adapté à la valorisation du patrimoine industriel, en rendant accessibles l’histoire, les savoir-faire et l’innovation d’une entreprise. Les questions, contenus et paramètres de jeu sont entièrement personnalisables selon le contexte et le public.

Hey BIC Boy

Cette œuvre interactive s’intéresse à une figure emblématique du quotidien : le BIC Boy, personnage iconique de la marque BIC, immédiatement reconnaissable par des générations d’utilisateurs. À travers cette installation, j’ai souhaité transformer ce symbole familier en un véritable « tableau vivant », invitant les visiteurs à jouer, explorer et apprendre.

A gauche de l’écran, le BIC Boy est animé, se déplacant lentement devant un flot continu de mots divers, formant une matière visuelle en perpétuel mouvement. Ces mots renvoient à des thématiques clés de l’histoire de BIC : design, innovation, usage, industrie, culture populaire ou encore écologie.

L’interaction repose sur un dispositif simple et intuitif. À l’aide d’un trackball, le visiteur peut faire apparaître un stylo BIC rouge et l’utiliser pour gribouiller librement sur l’écran ou surligner un mot précis dans le flux.

Lorsqu’un mot est sélectionné puis validé à l’aide d’un bouton, une information liée à cette thématique s’affiche. Il peut s’agir d’un fait historique, d’une anecdote insolite, d’un détail de conception ou d’un chiffre marquant du parcours de la marque. Le visiteur devient ainsi acteur de sa propre découverte, choisissant les sujets qui éveillent sa curiosité.

Intégration & Vision

Hey BIC Boy peut être adapté à différents contextes d’exposition : musées, espaces de marque, lieux culturels ou événements. Les mots, les thématiques et les contenus informatifs peuvent être entièrement personnalisés afin de refléter une identité, une histoire ou un corpus spécifique.

Le principe du tableau vivant et de la sélection par le geste ouvre la voie à de nombreuses déclinaisons : autres icônes graphiques, personnages historiques, œuvres d’art ou objets du quotidien. Chaque version conserve la même philosophie : rendre le visiteur actif, curieux et engagé par une interaction simple, sensorielle et mémorable.

L’installation peut s’inscrire dans un parcours plus large, aux côtés d’autres dispositifs interactifs, formant un espace où le jeu, le design et la connaissance se rencontrent. Une manière contemporaine de raconter des histoires, non pas en les imposant, mais en laissant chacun les écrire, mot après mot.

Beast Invaders

Ce travail s’intéresse à l’un des récits les plus anciens et les plus universels de l’humanité : l’Apocalypse. Présente dans de nombreuses civilisations, cette thématique a été magnifiquement représentée au XIVᵉ siècle dans la Tapisserie de l’Apocalypse, exposée aujourd’hui au château d’Angers. J’ai souhaité en proposer une relecture sous la forme d’une « tapisserie vivante », avec laquelle les visiteurs peuvent interagir.

De cette idée est né un jeu vidéo de style rétro, revisitant un grand classique de l’arcade : Space Invaders. Le joueur y incarne l’archange Saint Michel, affrontant sans relâche la Bête de l’Apocalypse. Les graphismes s’inspirent directement de la tapisserie médiévale, agrémentés de touches de pixel art pour donner vie à certains éléments.

La mécanique du jeu introduit une particularité : il n’y a pas de fin victorieuse. La Bête réapparaît sans cesse, de plus en plus puissante à chaque retour. Dans ce cycle apparemment fataliste, le joueur peut toutefois ressusciter une fois, s’il répond correctement à une question culturelle liée à la tapisserie. C’est là que réside la dimension éducative de cette installation.

Même si la défaite est inévitable, l’expérience reste enrichissante. Chaque partie permet d’en apprendre davantage sur la tapisserie et sur l’Apocalypse, tandis qu’un tableau des scores incite à rejouer, à améliorer ses réflexes et à approfondir ses connaissances. On pourrait ainsi dire que les joueurs sortent tout de même vainqueurs : en jouant, ils acquièrent savoir et compétences. Cette dynamique reflète d’ailleurs le récit de l’Apocalypse lui-même : souvent perçu dans la culture populaire comme une fin tragique, il propose en réalité un dénouement porteur d’espérance, où le bien triomphe du mal.

Intégration & Vision

Beast Invaders peut être entièrement adapté pour refléter les chefs-d’œuvre de vos propres collections. Les éléments visuels, les mécaniques de jeu et les défis peuvent être personnalisés selon le style, les thèmes ou les récits des différentes œuvres, transformant chaque session de jeu en une exploration unique des trésors de votre institution.

La dimension éducative est tout aussi flexible : les questions culturelles peuvent être conçues pour mettre en valeur le contexte historique, les techniques artistiques ou des anecdotes fascinantes liées à l’œuvre. Cette approche transforme le jeu en une expérience d’apprentissage riche, alliant divertissement et transmission de connaissances.

On peut imaginer un espace d’arcade dédié au sein de votre institution, où chaque jeu explore un chef-d’œuvre différent. Chaque jeu pourrait proposer des mécaniques, des styles visuels et des défis interactifs distincts, créant un environnement varié et immersif qui incite les visiteurs à revenir et à s’engager avec l’art et l’histoire de manière ludique et mémorable.

L'Oeil de la Révélation

Cette œuvre s’inspire de la Tapisserie de l’Apocalypse. Son élément le plus marquant est un œil mécanique — ou animatronique — placé au sommet du cadre. L’œil scrute les environs, animé d’une présence presque vivante. Son iris noir et rouge évoque une vigilance inquiétante — pourrait-il s’agir de l’œil de la Bête ?

L’art lui-même est un montage composé d’éléments provenant de différentes scènes de la Tapisserie originale, offrant une vue unique et globale de l’ensemble sur une seule toile numérique. La composition s’inspire directement des œuvres de Bosch et Bruegel, comme en témoigne la densité de personnages et le soin apporté aux détails.

Les visiteurs peuvent également participer à un jeu interactif simple : ils sont invités à rechercher certains éléments — personnages, objets ou animaux — dissimulés dans la composition. L’interaction se fait en multijoueur grâce à un pupitre équipé de deux joysticks d’arcade, permettant aux participants d’explorer l’œuvre et de révéler les éléments cachés. Lorsqu’un élément est découvert, des informations détaillées apparaissent. Pendant ce temps, l’œil animatronique réagit aux découvertes des joueurs, renforçant l’immersion et la dimension vivante de l’installation.

L’« Œil de la Révélation » est un jeu de mots, puisque Apocalypse signifie littéralement « Révélation » en grec. Cette expérience interactive permet aux visiteurs de révéler les détails de la Tapisserie, sous le regard attentif de l’œil.

Intégration & Vision

La composition de The Eye of Revelation est entièrement adaptable, permettant de créer un collage unique de personnages, portraits, objets ou motifs issus des collections de votre institution. Cette flexibilité permet de concevoir un environnement visuel dense, inspiré des compositions de Bruegel, où coexistent plusieurs récits et histoires, invitant les visiteurs à explorer les liens et à découvrir des détails cachés.

Les couches interactives peuvent être personnalisées pour raconter des histoires internes ou mettre en valeur des thèmes spécifiques. Plusieurs collections d’objets peuvent être définies, offrant une variété de défis aux visiteurs. Cela peut inclure des personnages cachés, des objets anachroniques ou des éléments thématiques, chacun encourageant l’observation attentive et l’engagement actif.

Grâce à ces adaptations, l’installation ne se contente pas de mettre en valeur vos collections de manière ludique et immersive : elle incite également les visiteurs à participer activement à la découverte des récits, approfondissant leur compréhension des œuvres, du contexte historique et des possibilités imaginatives de la composition.

LEGO Live

Dans cette œuvre, les visiteurs deviennent les protagonistes. Cette installation interactive leur permet de se voir reflétés en temps réel sous la forme d’une mosaïque LEGO vivante. Les briques, de taille variable et dynamique, grossissent ou rétrécissent par moments, donnant vie au reflet et à l’espace qui les entoure.

Lorsqu’aucun participant n’interagit, ce tableau numérique diffuse en boucle des vidéos et images transformées en mosaïque LEGO, créant un spectacle visuel dynamique et coloré.

Enfin, les visiteurs sont invités à participer à un quiz interactif gestuel : en levant la main gauche ou droite, ils choisissent leur réponse. Chaque question est accompagnée d’un complément d’information, et plusieurs thématiques sont proposées.

Cette œuvre repose sur des techniques d'imagerie computationnelles permettant un rendu en temps réel et utilise la vision par ordinateur et l’IA pour suivre les mouvements des visiteurs.

Intégration & Vision

Le système peut être personnalisé pour afficher des vidéos ou images spécifiques selon le contexte ou le lieu d’exposition. Chaque séquence peut ainsi être sélectionnée pour mettre en valeur un thème particulier, une collection ou un univers visuel choisi par le musée ou l’organisateur.

Au-delà de l’expérience visuelle, la composante quiz interactive peut être personnalisée pour explorer un large éventail de thèmes pertinents pour votre institution. Les sujets peuvent inclure l’histoire de vos collections ou encore des informations insolites de certaines œuvres. Cette adaptabilité garantit que les visiteurs interagissent non seulement avec leur propre reflet, mais découvrent également un contenu significatif qui enrichit leur compréhension et leur expérience.

Space René

Et si les figures des œuvres d’art historiques pouvaient nous parler ?

Space René met en scène un portrait vivant du Roi René, représenté en astronaute. Figure historique emblématique, habituellement confinée au passé, il est ici projeté dans un imaginaire futuriste où le temps se trouble et se superpose. Grâce à l’intelligence artificielle générative, ce personnage prend vie et engage un dialogue direct avec le visiteur.

À l’arrière-plan du portrait, un flux continu de mots défile, évoquant à la fois l’histoire du Roi René, son époque, ses symboles, mais aussi des notions contemporaines et prospectives telles que l’exploration spatiale, la science, le progrès ou l’avenir de l’humanité.

L’interaction se fait par l’intermédiaire d’un trackball. En sélectionnant un mot dans ce flux, le visiteur déclenche la voix de Space René. Le roi-astronaute réagit alors, partageant un savoir, une anecdote historique ou une réflexion contemporaine, créant un dialogue inattendu entre passé et futur.

Intégration & Vision

Space René peut être adapté pour créer une galerie dynamique de « portraits vivants », chacun représentant un personnage distinct issu de différentes périodes historiques. Ces personnages peuvent être tirés de portraits existants dans vos collections, de figures historiques locales marquantes, ou encore de personnages mythologiques et littéraires en lien avec la narration ou les thématiques de votre institution.

Tous les mots et flux textuels en arrière-plan peuvent être soigneusement sélectionnés pour correspondre au personnage, à son époque ou aux thèmes de votre institution. Cela permet à l’installation de transmettre des informations historiques, des insights culturels ou des contenus pédagogiques de manière ludique et immersive.

L’interaction avec les mots est flexible : chaque mot peut déclencher un fait historique, une anecdote ou une histoire amusante, offrant ainsi aux visiteurs une exploration multiple du passé. En proposant des perspectives « depuis l’époque du personnage », l’installation suscite la curiosité, stimule l’imagination et favorise un lien plus profond avec vos collections ou vos expositions.